La moda en escena

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Para explicar una historia en cualquier formato, sin duda, lo principal es la estructuración y argumentación de los hechos que se van a transmitir. Sin embargo, en el campo de la escenografía, el apartado visual juega un papel igual o hasta incluso más importante que el de las palabras. En teatro, igual que una correcta guionización es clave para una representación exitosa, también lo es la selección de los atuendos que van a lucir los actores.

Es lo que los italianos llamaron atrezzo. En otras palabras, todos aquellos elementos que ayudan a contextualizar y situar en espacio y tiempo una obra de teatro. En este caso, la ropa. Junto con dirección, la persona responsable de vestuario acuerda los aspectos más relevantes de cada personaje a representar. De este modo, podrá personificar al máximo su papel. Con ello, se tienen en cuenta elementos como la iluminación y la actuación que han de hacer los actores. Solo así se consigue que las prendas vayan en perfecta harmonía con el conjunto.

 

Fuente: Portafolio de Ro Gle y Unsplash

 

Porque puede que la obra de teatro tenga una argumentación sorprendente y una historia atractiva. Pero de nada servirá si no se consigue recrear un ambiente que haga al espectador sumergirse en el espectáculo. Es aquí donde, nunca mejor dicho, entra en escena la parte de atrezzo que concierne al vestuario. Y es que aunque es cierto que el hábito no hace al monje, una indumentaria bien elegida lo es todo para facilitar al público información clave sobre los personajes a simple vista, completando su interpretación. El vestuario trasciende lo puramente estético para pasar a ser algo también funcional. Es una de las puertas al mundo de los sueños que nos brinda el teatro.

En MATCH MODE hemos querido indagar más en este campo y por ello hemos entrevistado a nuestra #matchmoder Ro Gle. A parte de diseñar prendas exclusivas de fiesta y prêt-à-porter, se ha encargado de confeccionar el vestuario para representaciones teatrales como La Sirenita o el musical de Campanilla.

 

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¿Cómo puede definirse el estilo que impregna tus creaciones?

Un estilo único, exclusivo donde sacar el máximo potencial de las mujeres. Elegancia, personalidad y un toque de diferencia donde el objetivo es buscar la esencia de cada persona. Generaciones de mujeres deseosas de éxito, que expresen su rebeldía a través de la sensualidad y la creación de un encanto elegante y distinguible con un arte de vivir marcado por la libertad.

 

Sin duda, tus diseños respiran lujo, sensualidad y elegancia. Háblanos de tus referentes a la hora de enhebrar una aguja y empezar a crear. 

Balenciaga, Christian Dior, Poiret, Givenchy o Lanvin son mis referentes de la alta costura. Su patronaje exquisito y minucioso transmitían mucho en sus prendas. También me inspiran mucho los siglos pasados. Esos volúmenes del siglo XV o esos vestidos de los años 20 que dejaban atrás la atadura del cuerpo femenino. Y la naturaleza, por supuesto. Los colores de las flores, el atardecer, las montañas, el mar y todo lo que les concierne es un claro ejemplo de inspiración para mí. Te dejas llevar espiritualmente y dan como resultado creaciones muy importantes en tu trabajo.

 

“El patronaje es como las matemáticas, no vale cualquier resultado. Es muy importante que no se desvíe ninguna medida y ser muy detallista”

 

Para hacer un buen patronaje o diseño … ¿qué pautas recomiendas seguir?

Yo comparo el patronaje con las matemáticas y todo lo relacionado con los números. No vale cualquier resultado, hay que ser muy detallista porque es muy importante que no se desvíe ninguna medida. Un pequeño error puede llevar a confusión a la hora de montar el diseño. Las medidas pueden desvirtuarse y hay que volver a empezar. Yo recomiendo tener una buena base con diferentes tallas donde hayas probado la toile y quede perfecta. A partir de ahí rectificas todo.

En todas las rectificaciones que hagas, debes tener en cuenta que todo lo que sobre de un sitio, lo que falte, lo que quites o lo que pongas, hay que repartirlo en todo el patrón para que el diseño  no quede descuadrado. En cuanto al diseño, cada diseñador tiene su propia esencia y la inspiración en otros diseñadores del pasado. Eso es lo que lo hace único. El cómo tú puedes transmitir tus emociones a través del diseño de moda.

 

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A parte de piezas de vestir de fiesta y ready-to-wear, también elaboras vestimenta para la puesta en escena. ¿Qué parte del proceso creativo para la escenografía es más gratificante para ti? ¿En qué se diferencia si se compara con la creación de las otras dos líneas de prendas?

La parte más gratificante del proceso creativo es ver tu creación encima de un escenario o en el cine o la televisión. Te pone los vellos de punta. La diferencia es que cada una tiene su magia, aunque en fiesta o ready-to-wear puedes crear o salirte un poco de lo establecido. Hay que tener en cuenta que no todo el mundo se atreve a vestir de una forma más extravagante o diferente. La parte creativa se queda un poco más limitada.

En mi caso, la mezcla de tejidos y otros detalles en el diseño hacen que pueda sacar mi parte más imaginativa. En el caso del teatro, puedes echarle muchísima imaginación y hacer un proceso creativo que te haga divagar y puedas liberar toda esa energía que llevas dentro.

 

“Diseñar para teatro permite echarle muchísima imaginación y hacer un proceso creativo que te haga divagar y liberar la energía que llevas dentro”

 

 

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Has elaborado el vestuario para la obra de teatro “Forever King of Pop” de Michael Jackson o La Sirenita. ¿Qué dificultades hay en conseguir que el arte de la costura confluya con el arte escénico? 

Es muy importante que la costura sea muy minuciosa y bien hecha en el teatro. Si bien es verdad que éste tiene una magia donde puedes disimular muchos errores por su puesta en escena de luces o bailes, la libertad de movimiento que necesitan actores, bailarines o cantantes debe ser lo más cómoda posible y sobretodo una costura preparada a prueba de «golpes». Los movimientos, por ejemplo, en Michael Jackson son grandes y los bailarines necesitaban comodidad, elasticidad, que no se rajaran las costuras, etc. Todo eso había que cuidarlo para que durase mucho tiempo, por eso la costura es tan importante en el arte escénico. Tiene su parte creativa también.

 

¿Según tu experiencia, qué recomendarías a los jóvenes talentos que desean emprender una carrera como la tuya? 

Que tengan pasión, fuerza y muchas ganas porque ahora la carrera de moda se ha desvirtuado mucho. Ahora todo el mundo sabe de moda, pero no del arte de la moda. Estamos en un momento muy complicado donde la moda como yo la estudié no interesa, ahora se estudia desde otro punto de vista, ni bueno ni malo, simplemente diferente. La moda es muy bonita, aunque también muy dura, porque hay que trabajar mucho y muchas horas, buscar tu huequecito, vender, que crean en ti … por lo que con muchas ganas puedes llegar a disfrutar mucho de tu pasión.

“Ahora todo el mundo sabe de moda, pero no del arte de la moda”

 

 

¿En qué medida el sector de la moda se beneficia del mundo digital para concebir patrones o diseños? 

Ahora, con los programas informáticos que hay, puedes diseñar y patronar todo lo que quieras en el menor tiempo posible. Es un beneficio muy grande, un boceto o un patrón digitalmente acorta tiempo de trabajo y encima visualmente es mejor. El patronaje ha de ser muy minucioso, así que un programa digital no da lugar a errores. El mundo digital beneficia a cualquier sector, es un avance al que hay que adaptarse cuanto antes porque lo que viene es todavía mejor.

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